Bei Verheerer treffen rasende Blastbeats auf wuchtige Midtempo-Passagen, sägende Riffs auf hymnische Dramaturgie – kompromisslos und intensiv!
Seit ihrer Debut-EP "Archar" (2015) bis zum aktuellen Release "Urgewalt" (2025) hat die Band ihre musikalische Vision konsequent geschärft und sich damit einen festen Platz im Black-Metal-Underground geschaffen.
Mit "URGEWALT" manifestiert sich ein finsteres Panorama menschlicher Abgründe, Krieg und innerer Zerrissenheit – getragen von präziser Produktion und einem ausgeprägten Gespür für Dynamik. Dies schlägt sich nicht zuletzt in begeisterten nationalen und internationalen Reviews nieder.
Auch abseits der Musik positionieren sich VERHEERER unmissverständlich: klare Kante gegen NSBM und Faschismus. Black Metal, der radikal in Ausdruck und Sound ist – nicht in menschenverachtender Ideologie.Dieses Selbstverständnis tragen Sie auch auf die Bühne: Egal ob Metal-Club, AZ oder große Festivalbühne: Bei Verheerer gibt's statt Ritual und Maskenball nur die Metalfaust!

"Upon the Hills of Divination" ist das zweite Album der Berliner Black-Metal-Band Sun Worship, seit diese vor ein paar Jahren vom Trio zum Duo geschrumpft ist. Das hat der Durchschlagskraft der Musik keinen Abbruch getan.
Apropos Abbruch: Szeneintern spricht man gern von Abriss, wenn live ordentlich die Fetzen fliegen, und damit kommen wir zum Kern der Sache. Ob auf der Bühne oder aus der Konserve, Sun Worship kommen unter Einsatz minimaler Mittel zu maximalen Ergebnissen. Eine Gitarre, ein Schlagzeug, darunter liegend der geteilte Gesang (überwiegend gebellt, hin und wieder akzentuiert klar), mehr brauchen sie nicht, um ihrem Publikum vor der Bühne oder Stereoanlage eine ordentliche Abreibung zu verpassen. Man muss es schon so hemdsärmelig formulieren, denn die beiden donnern so schnörkellos angeschwitzt daher, wie weiland Franz Meersdonk und Günther Willers mit ihren Maschinen.
Ja, Metal ist Arbeit. Das wird vielleicht manchmal vergessen, ob all des genretypischen Boheis, der hier eben fehlt: Kein Corpsepaint, keine Nieten, kein Leder oder sonstiges Ornat – keine Ablenkung! Stattdessen: Konzentration aufs Wesentliche. Die Herren Ennsen & Hagedorn liefern ab. Um musikalisch einen Vergleich nahezulegen – Sun Worship sind ein bisschen wie die Schweizer Bölzer ohne den anthroposophischen Sums. Übrig bleiben druckvolles und abwechslungsreiches Schlagzeugspiel und aus der Gitarre Riffs, Riffs und noch mehr Riffs!
Dieser karge, jedoch gleichzeitig facettenreiche Ansatz schlägt sich auch im Artwork der Alben des Duos nieder, die sowohl auf dem Vorgänger »Emanations of Desolation« wie auch auf »Upon the Hills of Divination« Gesteinsformationen zeigen: hart, griffig und – ein bisschen transzendentales Gedöns dann doch – erhaben.


Jæhzorn - Raging Black Metal aus NRW. Die vierköpfige Band ist eine geschlossene Einheit, tief beeinflusst von den frühen Tagen des Black Metal – bestehend aus Mitgliedern von unter anderem UNRU/Ultha und Covenaut.

Der schwarz-thrashige Zorn der Band entlädt sich durch die geschärfte Sense der zweiten Black-Metal-Welle, die über dem Boden der ersten Welle erntet. Furioser, hexenartiger Gesang befeuert die Wut, während Banshee-Schreie über die Verirrungen der Menschheit klagen.

Ab 20 Uhr ist die Queer-Bar geöffnet, die Party startet dann wie gewohnt um 23 Uhr - dieses Mal mit einem House, Funky- und Tech House Special. An den Playern stehen FOGEL und BEATTINA.
Das ganze Team freut sich auf Euch und begrüßt Euch vollmotiviert mit bester Stimmung und leckersten Cocktails.
Lesbisch, schwul, bi, trans, inter, queer, hetero, alle sind willkommen. Wir wollen einfach zusammen feiern, tanzen und einen tollen Abend verbringen.

Keyo Roses Flying Circus ist ein Rock-’n’-Roll-Kollektiv aus glamourösem, psychedelischem Punk, das den Geist des Rock ’n’ Roll als Feier des Lebens und des Tanzes verkörpert und dabei eigenwillige, subversive Texte mit fesselnden Live-Auftritten verbindet. Die Gruppe besteht aus einer talentierten Riege künstlerischer Persönlichkeiten, konzeptionell vereint durch den high flying, elektrisierenden Keyo Rose.

Zum „Flying Circus“ gehören Keyo Rose (Frontmann, Gitarre/Gesang), Imogen Labbett (Bass/Gesang), Oliver Scott (Schlagzeug/Gesang), Edie Mitchel / Miro Beaubois (Gitarre und Gesang), Hanna Varney (Gesang/Tamburin), Callum Fog (Keyboard/Gesang) und James Workman (Synthesizer/Viola).
Die sechsköpfige Band formierte sich 2023 in Narrm/Melbourne und bezieht ihre Einflüsse von Größen wie David Bowie, Patti Smith, Rowland S. Howard, John Cooper Clarke sowie von australischen Pub-Rock- und Post-Punk-Bands der 80er Jahre – darunter The Birthday Party, The Ears, The Saints und Midnight Oil.

Mit ihrem Debütalbum „BLOW ME UP“ – das im März 2025 erschien und die musikalische, künstlerische und stilistische Vielfalt der Gruppe eindrucksvoll unter Beweis stellt – sowie einem für Juni geplanten zweiten Album baut der „Flying Circus“ sein Werk zu einem produktiven künstlerischen Katalog voller musikalischer Experimente und kreativer Abwechslung aus.

Die Absurdität der modernen Welt zu spiegeln und die künstlerische Ausdrucksfreiheit zu feiern – genau das ist die Essenz des „Flying Circus“.


Support: Krachym erschafft eine experimentelle Noise-Pop-Sinfonie, gespielt auf Synthesizern und einer drahtlosen MIDI-Gitarre. Die Einflüsse des in Leipzig (Deutschland) ansässigen „Keller-Crooners“ reichen von japanischer Elektronik der 80er Jahre über Psych-Pop bis hin zu Rockmusik; diese Elemente werden immer wieder durch spontane Aktionen und Improvisationen durchbrochen, was entweder in atmosphärischen Ambient-Momenten mündet oder einen durch und durch vom DIY-Punk-Geist geprägten Gesamteindruck hinterlässt. Zu seinen musikalischen Vorbildern zählen Acts wie Animal Collective, David Bowie, LCD Soundsystem, Yapoos, Envy und diverse andere Künstler...

CULK um Sängerin und Songwriterin Sophie Löw (alias Sophia Blenda) sind zurück. Und wieder versucht die Wiener Band auf ihre ganz eigene Weise unsere Gegenwart in all ihren Ambivalenzen einzukreisen. Wie fühlt es sich an, heute als Mensch in dieser Welt mit den grenzenlosen Möglichkeiten, den Existenz- und Zukunftsängsten, Sinnsuchen und Identitätsfragen? Auf ihrem neuen, vierten Album tauchen CULK in einen Schwebezustand zwischen Euphorie und Überforderung ein. „smogstar“ erscheint wieder beim Wiener Indie-Label Siluh Records und erzählt von dem pulsierenden Gefühl im Dazwischen. Alles so aufregend. Alles zu viel. Alles zugleich.
 
Aufgenommen und produziert wurde „smogstar gemeinsam mit Sophie Lindinger (Leyya, My Ugly Clementine). Nachdem ihr letztes, von Wolfgang Lehman produziertes Album „Generation Maximum“ (2023) eine Art lyrische und atmosphärische Bestandsaufnahme ihrer Generation zwischen Weltuntergangsstimmung und kollektiver Hoffnungslosigkeit war, wollte die Band diesmal ein wenig von der Schwere abwerfen. „Ich wollte, dass die Texte leichtfüßiger sind und diesen speziellen Vibe ausstrahlen: zwischen Freiheit fühlen und lost sein“, sagt Sophie über „smogstar“.
 
CULK – das sind neben Sophie Löw, Christoph Kuhn, Johannes Blindhofer und Jakob Herber. Begonnen hat für die vierköpfige Gruppe aus Wien alles 2018 mit der ersten Single: das von einem Roman der feministischen Ikone Simone de Beauvoir inspirierte Stück „Begierde/Scham“. Seitdem haben sich CULK einen Namen mit komplexen, selbstreflexiven und dunkel funkelnden Songs gemacht, meist auf Deutsch, manchmal auf Englisch. 2019 erschien schließlich ihr selbstbetitelte Debütalbum. Und 2020 mit „Zerstreuen über Euch“ ein kraftvolles Konzeptalbum als Kampfansage an Gender-Rollen, Gewalt und tiefverwurzelte patriarchale Strukturen.
Auf Album Nummer vier geht es jetzt um die endlosen Möglichkeiten, sich vermeintlich ständig neu erfinden zu können. Auch wenn man vielleicht immer noch nicht ganz genau weiß, wer man ist. Eine Stimmung, die sich auch in den urbanen Collagen und Zeichnungen des Artworks wiederfindet, die Sophie Löw im Stil einer Graphic Novel selbst gestaltet hat: Die schwarzhaarige Protagonistin mit dem dunkel verschmierten Eyeliner auf dem Cover ist dabei so etwas wie die fiktive Titelheldin des Albums, die sich durch den Dunst und das schimmernde Versprechen der Großstadt schlägt. Denn wie der Albumtitel schon verrät: Der Smog und die Sterne liegen hier nah beieinander.

Überhaupt ist „smogstar“ ein ausgesprochenes Stadt-Album geworden. „Neue Städte, neue Sicht. Neuer Name, neues Ich“, singt Sophie Löw, begleitet von verzerrten Gitarren, die immer wieder die Stimmung wechseln. Das ist das Grundrauschen der Platte: das Gefühl neu in eine Stadt zu kommen, sich im urbanen Raum und seiner Anonymität verlieren und neu erfinden zu können und neue Verbündete zu suchen. „Es geht ja auch darum, sich selbst zu erlauben, dass man sich verändern darf“, erklärt Sophie. „Das kann anstrengend und beängstigend sein, aber eben auch sehr befreiend.“
Im Grunde ist „smogstar“ selbst eine kleine Neuerfindung von CULK als Band, acht Jahre nachdem alles angefangen hat. Johannes Blindhofer sagt: „Für uns ging es während der Arbeit am Album auch darum uns zurückzubesinnen: Warum haben wir angefangen gemeinsam Musik zu machen und was bedeutet es für uns?“ So stark wie nie zuvor fühlen sich CULK von ihrem Umfeld in Wien geprägt und dem Gefühl für- und miteinander Musik zu machen. „Daher orientieren sich die neuen Songs auch mehr an dem, wie wir uns selbst beim Spielen hören“, fügt er an. „Wir wollten mit unverkopften Arrangements Intensität und Wucht erzeugen“. CULK spielen auf „smogstar“ freier auf als je zuvor. Die markante Stimme von Sophie steht immer noch im Mittelpunkt der hypnostischen Songs, aber diesmal klingen sie offener, reduzierter und weniger dark. Zu den musikalischen Referenzen gehört dieses Mal die kompromisslosere Soundästhetik von Noise-Rock-Bands der 80er und 90er, wie Swirlies, Sonic Youth und Unwound, oder auch aktuellere Bands wie Julie oder Blue Smiley. „Wir wollten, dass alles eher bare bones und roh und in your face klingt. Was können wir aus uns Vieren herausholen, in dem Moment, in dem wir gemeinsam spielen?“, sagen sie.

In der bereits im März erschienenen Single „twenty, eighteen“ blickt die Band zurück auf die Anfangszeit. Ganz langsam entfaltet der Song zwischen lauten Gitarren und schwirrenden Synthesizern seinen musikalischen Sog und erzählt von Freundschaft und kollektiven Rauschzuständen, von Orientierungslosigkeit, ständigem Unterwegssein und den vielen Fragen, die nie so richtig beantwortet werden, bevor man weitermuss zur nächsten Bühne: „Is my heart full? Is my heart numb? / Did we just start or am I done?“

Auf dem neuen Album gibt es außerdem das „erste richtige CULK-Liebeslied“, wie Sophie sagt. Der Opener – und die aktuelle Single „kaputte speaker“ erzählt vom Verliebtsein und diesem sommerlichen Freiheitsgefühl, wenn der Asphalt nach einem Gewitter dampft und man an nichts anderes denken kann als an das geliebte Gegenüber. Die innere Unruhe bricht sich im kathartischen Refrain mit einer schönen simplen Liebeserklärung Bahn: „Niemand ist mit dir allein.“

Es wäre aber auch kein richtiges CULK-Album, wenn es nicht auch mal schwermütiger zugehen würde: In „weiß nur wer ich nicht bin“ leuchtet Sophie wie in klugen, poetischen Lyrics sich selbst und zugleich die existenziellen Zweifel unserer Zeit aus: „Laufe am seidenen Faden / Ja ich weiß, du hast Fragen / Doch ich weiß nur wer ich nicht bin“
Was wir darüber hinaus wissen: So konsequent ausformuliert war der Popentwurf von CULK noch nie. „smogstar“ ist ein wunderbar nervös flimmerndes Schlaglicht auf unsere Gegenwart.

Der Album-Opener von „Patchouli Blue“ (2020), „Total falsch“, ist ein idealer Auftakt und impliziert genau das Gegenteil von dem, was der Titel verspricht. Typisch Bohren. Je nach Charakter der Hörerin oder des Hörers reichen vielleicht zwei, manchmal vier Töne oder sogar zwei Minuten, um klarzumachen: Du befindest dich auf Bohren-Terrain, jetzt ist die Zeit, mit allem abzurechnen! Der Einsatz der Orgel zwingt dich bereits in die Knie, und das einsetzende Saxophon lenkt die sorgfältig aufgebaute Spannung in eine Klanglandschaft, in der eine Begegnung mit Jan Garbarek nicht mehr auszuschließen ist. Doch es folgen weitere Überraschungen. Nicht zu erwarten ist zum Beispiel ein Stück wie „Deine Kusine“, das eine große Leichtigkeit ausstrahlt.

Oder direkt danach „Vergessen und vorbei“, das mit seiner Rhythmusmaschine und dem analogen Synthesizer wie der Soundtrack zu einem John-Carpenter-Film klingt, den er vergessen hat zu drehen. Fragt man die Band, entspricht „Patchouli Blue“ dem Mischungsverhältnis aus vier Teilen „typisch Bohren“, drei Teilen „weird“ und vier Teilen „Jazz-Sneak“. Als Bonus existiert der Schatten einer Geschichte hinter der Reihenfolge der Songtitel, die man sich – je nach Temperament – selbst ausdenken kann.

Einen Titelsong hatte Bohren zuvor noch nie. „Patchouli Blue“ verweist zurück auf India-Läden der 1970er-Jahre mit ihren schweren Duftnoten. Die elf Klangskulpturen, die Bohren in harter, disziplinierter Arbeit von ihrer Redundanz befreit hat, bieten reichlich Stoff für akustische Entdeckungsreisen. Nun ist es an der Zeit, die Stücke für die kommenden Live-Auftritte zu proben, denn am 10.10. geht's in's Volksbad!